Les fleurs et la nature en général sont une source d’inspiration récurrente en art. Elles ont une histoire mythologique, religieuse, symbolique, sociale et même parfois politique. Certaines ont particulièrement inspiré les artistes depuis de nombreux siècles. Symboliques ou purement décoratives, elles deviennent un genre à part entière dans la peinture au XVIIème siècle. Chargées de grâce et de mystères, les fleurs accompagnent de nombreux tableaux jusqu’à se hisser en tant que matériau dans les œuvres contemporaines.
Lorsque l'on associe les fleurs à l'art, vous pensez certainement aux Tournesols de Van Gogh, aux lys de Paul Gauguin et de Matisse, ou plus récemment aux créations de Georgia O’Keeffe. La rose se place aussi dans le top des fleurs les plus utilisées par les artistes et dont la référence chrétienne revient couramment.
Mais seule la fleur n'est pas uniquement représentée dans les œuvres d'art. La flore au sens large, c'est à dire l'ensemble des espèces végétales d'un écosystème, est aussi une source d'inspiration artistique. Dans cet article, nous vous présentons comment quatre artistes utilisent et représentent les fleurs, ou plus généralement la nature, dans leurs productions artistiques.
La première artiste dont nous vous faisons découvrir le travail est Béliza Troupé. L'artiste plasticienne a participé à de nombreuses résidences, dont Caribbean Link, et se positionne comme une artiste contemporaine majeure de sa génération originaire des Caraïbes. Elle place la nature et notamment les fleurs au centre de ses dessins à la mine de plomb et aux crayons aquarelles. Parfois ornées de broderies végétales, les œuvres de Béliza Troupé combinent des parties du corps humain à la pharmacopée afro-caribéenne. La végétation apparaît comme une ramification des liens socio-historiques et de l’héritage de chacun. Délicates et colorées, les fleurs s’entrelacent harmonieusement au corps évoquant le système veineux ou encore le tissu musculaire. Le corps semble alors régénéré, pansé et restauré par les vertus des plantes.
Le travail de Wole Lagunju est également lié aux fleurs. Artiste pluridisciplinaire, le peintre nigérian utilise les fleurs pour repenser la tradition Yoruba en la combinant aux codes des royautés occidentales. Pour ce faire, il reproduit principalement des masques traditionnels Yoruba, les masques Gélédè, et les associe aux peintures modernes occidentales du 19e siècle sur un fond fleuri. A travers ce travail, il amène le public à réfléchir à la manière dont nous regardons souvent la culture à travers un prisme occidental. Les références culturelles de Lagunju sont puisées dans le langage culturel impérialiste du 19e siècle pour critiquer les structures raciales et sociales tout en évoquant le pouvoir ou la féminité. L’artiste fait donc évoluer notre compréhension du rôle de la culture Yoruba, et plus largement de l'art africain. Son but est ainsi de nous faire percevoir son art d’un point de vue nigérian et non plus d’une perspective européenne, trop souvent systématique.
Atanda Quadri Adebayo propose également une production centrée sur le thème des fleurs. Originaire du Nigeria, il est né dans une ville côtière, qui était autrefois un important carrefour géographique dans le commerce transatlantique des esclaves. A travers ses œuvres, l'artiste transmet l’histoire coloniale brutale tout en refusant d’être uniquement défini par elle. La peinture est pour lui un voyage de découverte et de réalisation de soi qui lui permet d’appréhender le passé et de se projeter vers l'avenir. Les personnages de ses œuvres sont créés à partir de charbon de bois pour représenter la carnation de ses sujets. Symboles d’espoir et de résistance, ces derniers sont peints dans d’élégantes positions et se trouvent au milieu de décors colorés et floraux. Ces compositions sont des exemples de résilience, incarnant le résultat de la recherche du bonheur au milieu de la lutte. Enfin pour créer ses œuvres, l’artiste souffle de l'aquarelle sur la toile à l'aide d'une paille, utilisant sa respiration pour peindre. Il décrit ce processus comme "le symbole ultime de la vie et de l'art".
Moustapha Baidi Oumarou a également retenu notre attention sur sa façon d’utiliser les fleurs dans son œuvre. Jeune artiste d’origine camerounaise, il est primé au Festival Yawalta Maroua à seulement 17 ans. Artiste pluridisciplinaire ayant commencé sa recherche par la sérigraphie, il utilise également l’acrylique, le pastel, le charbon, l’encre de Chine, ou le collage. Ses productions sont inspirées par son entourage et sa vision du monde. Qualifié de peintre humaniste, il relaie dans ses œuvres ce que les oubliés et les plus vulnérables ne peuvent exprimer avec des mots. Figures au visage mystérieux, les personnages de ses peintures sont imposants et surgissent souvent au milieu d’une nature luxuriante. Les fleurs font partie intégrante de son œuvre et se mêlent délicatement aux humains. Militant pour un monde plus juste et plus ouvert d’esprit, il illustre ses valeurs dans des peintures positives et optimistes.
Enfin, finissons en beauté avec l’artiste plasticienne franco-marocaine Najia Mehadji ! Son art symbolise l’union entre l’Orient et l’Occident. A travers les techniques du dessin, de la peinture et des bâtons d’huile, elle crée des icônes contemporaines où l’esthétique de ces deux régions s’unit. La notion du temps est un aspect fondamental de sa recherche. On peut percevoir le temps dans toutes les lignes qu’elle dessine. Elle explore les manifestations de la durée notamment à travers des motifs végétaux. Sorties de terre, tiges, feuilles et fleurs prennent une dimension cosmique. Elle travaille notamment sur la pivoine, fleur qui évoque selon elle le temps qui s’écoule, la vitesse de la lumière, symbole de l’éphémère par excellence. L’artiste photographie leur évolution tout au long de la floraison. A travers elles, Najia Mehadji évoque la fugacité de la vie, le passage des hommes sur terre et notre relation à l’univers.
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